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kaufmann repetto is pleased to present Muses, Billy Sullivan’s fifth solo exhibition with the gallery.
The exhibition focuses on the primary significance of portraiture in Sullivan’s work over the past five decades, and explores the broad array of muses he finds among friends, lovers, acquaintances, and even strangers. Certainly one kind of muse that recurs in Sullivan’s work, inflected by his own particular queer sensibility, offers the more expected stimulations of physical beauty and erotic frisson. But perhaps even more frequently, a muse displays attributes that may indeed be somehow sexy but are not necessarily sexual per se — an attitude, a sense of style, some kind of creativity, or just a way of being in the world.
Each portrait originates from a photograph that Sullivan takes and, back in the studio, puts to use as a template for a painting or drawing. In the process of manually and graphically translating this image into another medium, the camera’s quick moment is drawn out into the slower ruminative tempo and space of memory. Details and focal points are markedly edited by the artist’s touch, which variously amplifies or compresses in a dance of displacement and reconstitution.
For Muses, Sullivan stages two distinct installations in the gallery’s twin spaces. In the first space, two walls are hung salon-style with nearly forty works on paper, which range considerably in size and medium and survey the entire span of Sullivan’s career. Although they are installed according to a play of association that subverts chronological time, nonetheless each work offers a diaristic glimpse into some aspect of the artist’s life.
Ten large early drawings feature dark, bold palettes and a free mixture of pastels and paints. Two of these serve as personal bookends for all the other muses. One is a 1971 self-portrait with Amy, Sullivan’s wife at the time and the mother of his two children. The second is a 1974 portrait of curator Klaus Kertess, who would become Sullivan’s partner and husband until his death in 2016. Other works introduce us to transgender model Michelle Long, underground fashion designers Larissa Jarzombek and Delia Doherty, photographer Carol Beckwith (in a blonde wig), and an anonymous “Cowboy” who randomly appeared at a party in 1982. Two 1972 drawings, looking back to Sullivan’s gig as set designer for Andy Warhol’s 1971 production of Pork in London, harness the glamour of a Janis-Joplin-like diva named Vi, who swoons in and out of a Quaaludes stupor.
Smaller ink drawings from the 1990s transition to the lighter palettes and airier touch of the past two decades. While Christian, Brock, and John glow with erotic heat, we also encounter fashion designer Kenzo, models Naomi Campbell, Sayoko Yamaguchi, and Agyness Deyn, model agent Louie Chaban, artists Keith Sonnier, Lawrence Weiner, Keltie Ferris, and Rachel Chandler (among others), art dealers Daniel, Alessio, and Hazel, and Sullivan’s former students Joie, Patricia, Jason, and David.
The exhibition’s newest work is a large 2019 painting of a couple named Lea and Mike, lounging contentedly on the beach, eyes closed, soaking up our gaze along with the Atlantic sun.
The second gallery space is installed with a selection of six recent oil paintings. Two of these are portraits of Sullivan’s peers: in one, Carroll “Tip” Dunham gazes in pro le towards the other end of his studio, surrounded by the bizarrely comic sexual energy of his own paintings. The second, from 2012, shows the recently deceased poet and artist John Giorno receiving a visitor into his sunny loft located just up the Bowery from Sullivan’s studio. In another surprise pairing, Agyness Deyn reappears beside choreographer Trisha Brown, who had just passed away in 2017 when Sullivan began this memorial painting based on a photograph from 1982.
In a fifth painting, our gaze is met and held by Joe Wolin, a curator and writer who poses nude in the studio as a mature, bearded odalisque, vulnerable yet open, ogled from a stack of framed drawings by previous muses Mark, Ed, and Christian.
Holding court over the whole space is a 2019 portrait of Parisian fashion designer Irié, crowned with a fur hat, who beams a warm, mischievous welcome through a grisaille of Manet blacks ornamented with pale Rococo pinks, yellows, and greens.
Billy Sullivan (b. 1946, New York) has been exhibiting nationally and internationally since 1971. He has been included in important exhibitions such as Ugo Rondinone’s I Love John Giorno at the Palais de Tokyo, Paris (2015) and White Columns, New York (2017); GLAM! The Performance of Style, Tate Liverpool (2014); Open Windows, Addison Gallery of American Art, curated by Carroll Dunham (2012); Come Closer: Art Around the Bowery, 1969-1989, New Museum of Contemporary Art, New York (2012); Whitney Biennial: Day for Night, Whitney Museum of American Art, New York (2006). His recent solo exhibitions include shows at Rental Gallery, East Hampton, NY (2018); Monteverdi Art Gallery, Sarteano, Italy (2016); Ille Arts, Amagansett, New York (2015); Galerie Sabine Knust, Munich (2014); Freymond-Guth Fine Arts, Zurich (2014); Nicole Klagsbrun, New York (2012); Baldwin Gallery, Aspen, Colorado (2011); Salomon Contemporary, East Hampton, New York (2010); and Regen Projects, Los Angeles (2008). Sullivan’s work is in the collections of the Museum of Modern Art, the Metropolitan Museum of Art, the Detroit Institute of Arts, the Parrish Art Museum, the Norton Museum, the Portland Museum of Art in Maine, and the Denver Art Museum, as well as many other public and private collections. His pastel drawings are currently on view in Pastel, organized by Nicolas Party at the FLAG Art Foundation in New York City.
kaufmann repetto è lieta di presentare Muses, la quinta personale di Billy Sullivan presso la galleria.
La mostra si concentra sul ruolo cruciale del ritratto nelle opere realizzate da Sullivan negli ultimi cinquant’anni ed esplora la vasta gamma di muse che l’artista ha individuato in conoscenti, amici, amanti ed estranei. Il tipo di musa che ricorre nella produzione di Sullivan, plasmata dalla sua particolare sensibilità queer, offre i classici stimoli della bellezza sica e del brivido erotico; spesso, tuttavia, la musa presenta caratteristiche sensuali ma non necessariamente sessuali: un atteggiamento, un’idea di stile, una certa creatività o anche un semplice modo di esistere nel mondo.
Ogni ritratto nasce da una fotogra a che Sullivan scatta e poi, in studio, utilizza come modello per dipingere o disegnare. Nel processo manuale e gra co con cui l’immagine viene trasposta in un medium diverso, l’istante catturato dall’obiettivo si adatta al ritmo e allo spazio della memoria, più lenti e meditativi. Dettagli e punti focali vengono marcatamente modi cati dal tocco dell’artista, ampli cati o ridotti in una danza di traslazione e ricostituzione.
Per Muses, Sullivan crea due installazioni negli spazi gemelli della galleria. Nel primo due pareti ospitano, come in un allestimento da salon, circa quaranta opere su carta che presentano dimensioni e sfruttano medium diversi. Pur seguendo un gioco di associazioni che ne sovverte l’ordine cronologico, le opere coprono l’intera carriera dell’artista e propongono uno scorcio diaristico su vari aspetti della sua esistenza.
Dieci grandi disegni risalenti alle prime fasi della carriera di Sullivan sfoggiano colori scuri e audaci, oltre a una commistione libera di pastelli e pittura. Due in particolare “delimitano” le altre muse: il primo è un autoritratto del 1971 con Amy, all’epoca moglie dell’artista e madre dei suoi due gli; il secondo è un ritratto del 1974 del curatore Klaus Kertess, in seguito diventato il compagno e poi il marito di Sullivan, no alla morte avvenuta nel 2016. Altre opere ci presentano la modella transgender Michelle Long, le stiliste underground Larissa Jarzombek e Delia Doherty, la fotografa Carol Beckwith (che indossa una parrucca bionda) e un anonimo “Cowboy” spuntato dal nulla a una festa nel 1982. Due disegni del 1972, che rievocano il lavoro di scenografo svolto dall’artista per la produzione di Pork di Andy Warhol a Londra (1971), catturano il fascino di una diva di nome Vi che ricorda Janis Joplin e alterna stati di coscienza e torpore causati dall’abuso di Quaalude.
Disegni più piccoli, realizzati a inchiostro negli anni Novanta, segnano una transizione verso tonalità più chiare e a un tocco più arioso rispetto ai due decenni precedenti. Christian, Brock e John brillano di passione erotica, ma ci imbattiamo anche nello stilista Kenzo, nelle modelle Naomi Campbell, Sayoko Yamaguchi e Agyness Deyn, nell’agente di moda Louie Chaban, negli artisti Keith Sonnier, Lawrence Weiner, Keltie Ferris e Rachel Chandler (per citarne solo alcuni), nei mercanti d’arte Daniel, Alessio e Hazel, e in ne negli ex allievi di Sullivan: Joie, Patricia, Jason e David.
L’opera più recente in mostra è un grande dipinto del 2019 che ritrae una coppia, Lea e Mike, che si rilassa in spiaggia a occhi chiusi e si crogiola tanto nel nostro sguardo quanto in quello del sole della costa atlantica.
Il secondo spazio della galleria presenta una selezione di sei dipinti recenti, due dei quali ritraggono dei colleghi artisti di Sullivan: in uno Carroll “Tip” Dunham, di pro lo, ssa il fondo del proprio studio, circondato dall’energia –sessuale ma anche stranamente comica– delle proprie opere; nell’altro, del 2012, John Giorno, poeta e artista da poco scomparso, accoglie un visitatore nel suo luminoso loft sulla Bowery, nei pressi dello studio di Sullivan. In un altro abbinamento sorprendente, Agyness Deyn ricompare al anco della coreografa Trisha Brown, deceduta nel 2017 nel periodo in cui Sullivan ha iniziato il dipinto, ispirandosi a una fotogra a del 1982.
In un quinto quadro il nostro sguardo incontra quello di Joe Wolin: il curatore e scrittore, come un’odalisca in là con gli anni e con la barba, vulnerabile eppure trasparente, posa nudo in studio sotto l’occhio di una pila di ritratti di muse del passato (Mark, Ed e Christian).
L’intero spazio espositivo è poi dominato dal ritratto realizzato nel 2019 dello stilista parigino Irié che, incoronato da un cappello di pelliccia, dà un benvenuto caloroso e malizioso allo spettatore sullo sfondo di una grisaglia di neri alla Manet punteggiati da pallidi rosa, gialli e verdi rococò.
Billy Sullivan (1946, New York, NY) espone a livello nazionale e internazionale dal 1971. Le sue opere sono state incluse in mostre importanti come I Love John Giorno di Ugo Rondinone al Palais de Tokyo, Parigi (2015) e White Columns, New York (2017); GLAM! The Performance of Style, Tate Liverpool (2014); Open Windows, Addison Gallery of American Art, a cura di Carroll Dunham (2012); Come Closer: Art Around the Bowery, 1969-1989, New Museum of Contemporary Art, New York (2012); Whitney Biennial: Day for Night, Whitney Museum of American Art, New York (2006). Tra le sue personali più recenti ricordiamo quelle presso Rental Gallery, East Hampton, New York (2018); Monteverdi Art Gallery, Sarteano, Italia (2016); Ille Arts, Amagansett, New York (2015); Galerie Sabine Knust, Monaco di Baviera (2014); Freymond-Guth Fine Arts, Zurigo (2014); Nicole Klagsbrun, New York (2012); Baldwin Gallery, Aspen, Colorado (2011); Salomon Contemporary, East Hampton, New York (2010) e Regen Projects, Los Angeles (2008). Le opere di Sullivan fanno parte delle collezioni del Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, Detroit Institute of Arts, Parrish Art Museum, Norton Museum, Portland Museum of Art nel Maine e Denver Art Museum, oltre che di numerose collezioni pubbliche e private. I suoi disegni a pastello sono attualmente esposti nella mostra Pastel, organizzata da Nicolas Party presso la FLAG Art Foundation di New York City.